lunes, 27 de marzo de 2017

Rocío Bello y Javier Hernando, Premio ASSITEJ 2016 de teatro infantil: "Creemos en un teatro que tenga en cuenta a los niños sin paternalismos, alejado de la pedagogía fácil"

El pasado sábado 25 de marzo, coincidiendo con las celebraciones por el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes, tuvo lugar en Matadero Madrid el acto de entrega de los Premios ASSITEJ 2016. La compañía de teatro de títeres La Tartana, que este año celebra 40 años de carrera, ha recibido el Premio Nacional ASSITEJ en reconocimiento a toda su trayectoria. Los jóvenes autores Rocío Bello (Lugo, 1978) y Javier Hernando Herráez (Ávila, 1986) han sido los ganadores de esta edición del Premio ASSITEJ de teatro infantil con la obra Estrellas y agujeros negros (entre otras cosas), que el jurado destacó "por su originalidad, su calidad literaria y el intento valiente en el tratamiento del tema".
Rocío Bello y Javier Hernando están vinculados a las artes escénicas por distintos caminos. Se conocieron estudiando en la RESAD y juntos forman La Ferretería. Viven en Madrid y se dedican a escribir, entre otras cosas. Mamá Teatriz ha tenido ocasión de charlar con ellos sobre la obra galardonada y sobre su visión del teatro para niños.

Rocío Bello y Javier Hernando, ganadores del XIX Premio ASSITEJ de teatro infantil

¿Cuál es la historia de Estrellas y agujeros negros (entre otras cosas)?

Estrellas y agujeros negros (entre otras cosas) nos cuenta cómo Violeta, con ayuda de su perro de peluche Pimiento y su amiga 400, se libra para siempre del molesto cazador de pájaros que vive en la casa de enfrente. Después de esta terrorífica aventura estará un poco más preparada para librarse de todos los charlatanes que quieran encerrarla dentro de una jaula. La obra es un monólogo a cuatro voces donde la realidad y la imaginación se mezclan para conformar el universo personal de Violeta. Un universo en el que conviven sus mejores amigos, grandes preguntas y algún que otro monstruo horrible. En este viaje espacial Violeta se hará un poquito más gigante.

¿Cómo surge la co-autoría para escribir este texto?, ¿cómo ha sido el proceso creativo "a cuatro manos"…?

Surge de la convivencia y de la confianza. En mayor o menor medida, desde que nos conocemos, siempre nos hemos acompañado en los procesos creativos. Esta vez  decidimos hacerlo de manera más consciente, desde el principio, asumiendo las ventajas e inconvenientes de la escritura “a cuatro manos”: surgen más ideas, se produce material más diverso, hay más debates sobre el estilo, la estructura e incluso sobre una palabra. No fue fácil, pero tampoco difícil. Fue bonito. Repetiremos.

Uno de los aspectos que ha destacado el jurado sobre vuestra obra es su originalidad y la valentía en el tratamiento del tema, ¿podéis contarnos de qué tema se trata, y cómo habéis querido abordarlo?

Fue el tratamiento el que nos empujó a investigar sobre los abusos a menores. Cómo escribir sobre determinados tabúes para público infantil. Creemos que en el teatro infantil no deberían existir los temas tabú, sino, más bien, los tratamientos inadecuados. ¿Cómo afronta un niño una situación de abuso?, ¿cómo se siente?, ¿puede hablar de ella?, ¿cómo la soluciona? Hemos intentando, a través de Violeta, la protagonista de la obra, tantear esas y otras preguntas. Aún seguimos teniendo las mismas dudas.

¿Qué supone este galardón en vuestra carrera como dramaturgos?, ¿habíais escrito antes otras obras destinadas a público infantil?

Nos interesa la literatura infantil y, por supuesto, el teatro para la infancia. Rocío trabaja desde hace más de diez años con niños y niñas en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Madrid, y Javier hace años publicó una obra infantil que se titula La maleta de Noé. Hemos hablado mucho sobre qué es y cómo debería ser el teatro infantil. Con la escritura de esta obra hemos intentado poner en práctica alguna de esas ideas. Nos hace especial ilusión, como no podía ser de otra manera, recibir este premio. En primer lugar, por el trabajo que desarrolla ASSITEJ en el campo del teatro infantil, imprescindible, comprometidos por un teatro que piensa en los más pequeños no sólo como el futuro, sino, ante todo, como el presente; y en segundo lugar, por las autoras y autores que lo han recibido en convocatorias anteriores. Agradecemos a ASSITEJ y al jurado del premio haber apostado por un texto que asume ciertos riesgos y alguna rareza.

¿Qué aspectos consideráis imprescindibles para que un texto dramático funcione con los niños?

Un teatro que les tenga en cuenta. Que les mire cara a cara, les interese, les hable directamente, sin paternalismos, alejado de la pedagogía fácil, asumiendo su particularidad y autonomía. Con el mismo rigor y ambición que el teatro para adultos. Un teatro que aborde temas transcendentales e importantes para ellos desde su imaginario, sin olvidar que para las niñas y niños todo es posible.

PREMIO ASSITEJ A LA TARTANA POR SU TRAYECTORIA

El Premio Nacional ASSITEJ España 2016 ha sido para La Tartana Teatro, en reconocimiento a su labor en la promoción del teatro para la infancia y la juventud. La compañía de títeres y artesanos, pionera en su género, fundada en 1977 por Juan Muñoz, celebra este año su 40 aniversario con múltiples actividades de homenaje: durante el mes de enero, la Cuarta Pared programó en su sala algunas de sus obras más significativas, como El guardián de los cuentos o Atrapasueños.
El CDN organizó la mesa redonda "El arte de los títeres. 40 años de La Tartana y el arte de la marioneta en España" dentro del ciclo Los lunes con voz (30 de enero de 2017), coloquio al que puso la guinda la pieza escénica Imagina, en la que el alter ego-títere de Juan Muñoz le hacía una revelación al original: "Imagina 40 años y resiste". Y la Sala Berlanga organizó en febrero distintas acciones en torno al 40 aniversario de la compañía madrileña, como la proyección de un documental o la exposición "Títeres y autómatas de La Tartana".

Una escena de la pieza escénica Imagina (La Tartana) en el CDN

Durante el acto de entrega de los Premios ASSITEJ se leyeron los comunicados internacionales del Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes y se celebró un brindis con los premiados y amigos.

lunes, 20 de marzo de 2017

Rompiendo el cascarón para celebrar el Día mundial del teatro infantil

¡Hoy MAMÁ TEATRIZ está de fiesta!: celebramos el Día mundial del teatro infantil. Durante estos primeros seis meses de vida del blog, hemos asistido a multitud de espectáculos orientados a niños y sus familias, hemos descubierto textos y compañías maravillosas, hemos conocido a profesionales del sector que día a día trabajan por la puesta en valor de un teatro de calidad para el joven público, y hemos constatado la necesidad de seguir alimentando este proyecto, así que tenemos razones para la alegría. Hoy, 20 de marzo, nos sumamos a la campaña que promueve ASSITEJ (Asociación de Teatro para la Infancia y la Juventud) a través del lema “Lleva a un niño al teatro” y la difusión de mensajes enfocados en el derecho de los niños a acceder a la cultura. ¡Que los teatros se llenen de niños y niñas y los escenarios de buenas historias para ellos!


Marzo es el mes del teatro y justo en estas fechas coinciden en Madrid tres importantes festivales de teatro infantil: Titerescena (programa del CDN integrado por obras con títeres), Teatralia (XXI Festival internacional de artes escénicas para niños y jóvenes), y Rompiendo el cascarón, ciclo de teatro para bebés en el Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, del que daremos algunos detalles a continuación.

Rompiendo el cascarón en el Fernán Gómez-Centro Cultural de la Villa

Rompiendo el cascarón, metafórico título que alude a la apertura hacia algo nuevo, es un ciclo de teatro dirigido a niños entre 0 y 4 años, que cumple este 2017 su décimo aniversario en el escenario de la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez de Madrid.  Esta iniciativa pionera en España, apuesta por la promoción y difusión de propuestas escénicas novedosas, que propician el acercamiento de nuevos públicos a las diferentes manifestaciones artísticas y que se está consolidando como un referente escénico para el público en Madrid.
El festival se creó con la voluntad de potenciar la sensibilidad y la inteligencia emocional de los bebés; se trata de un valioso estímulo que les permite desarrollar su imaginación, ayudándoles a construir su realidad. Además, el ciclo permite acercar a los niños desde sus primeros años de vida al mundo de la cultura y la creación.


Cartel de la X edición del ciclo Rompiendo el cascarón / Imagen de una escena de Kubik (Teatro Paraíso)

Homenaje especial a Teatro Paraíso

Seis compañías de distintas comunidades españolas participan hasta el 11 de junio en esta nueva edición de Rompiendo el cascarón con siete montajes centrados en la experimentación sensorial. Este año el Fernán Gómez ha querido homenajear por su reconocida trayectoria a Teatro Paraíso (Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2012) con la programación de dos de sus mejores propuestas: Kubik (Premio FETEN al mejor espectáculo infantil en 2013), donde un juego de construcciones se transforma en un bosque de emociones, proyecciones que dan vida a un pequeño museo de imágenes, luces que dibujan paisajes sensibles, sonidos que inspiran encuentros juguetones..., y Nómadas (Premio FETEN 2015 al mejor vestuario), protagonizada por dos mujeres exploradoras que a través del juego y la manipulación, convierten la escena en un lugar donde la Arquitectura, la Geometría y las Matemáticas nacen de manera natural al transformar poéticamente los materiales.

PROGRAMACIÓN

Lugar: Teatro Fernán Gómez-Centro Cultural de la Villa (Sala Jardiel Poncela)

Baychimo Teatro presenta Pinxit
25 y 26 de marzo
Funciones: 11 y 12:30 horas

Pasadas las 4 presenta Ploc, ploc… Plik
1, 2, 8 y 9 de abril
Funciones: 11 y 12:30 horas

Teatro Paraíso y Teatro de la Guimbarde presentan Kubik
Vitoria-Gasteiz / Bélgica
13, 14, 15, 16, de abril
Funciones: 11 y 12:30 horas

Teatro Paraíso presenta Nómadas
22, 23, 29, y 30 de abril
Funciones: 11 y 12.30 horas

25, 26, 27, 28 de abril
Funciones: 10,30 y 12 horas

Cía. Laclá presenta Solete
6, 7, 13 y 14 de mayo
Funciones: 11 y 12:30 horas

10, 11, 12 de mayo
Funciones: 10,30 y 12 horas

Akantaros presenta Que brisa, la risa
20, 21, 27 y 28 de mayo
Funciones: 11 y 12:30 horas

Ñas Teatro presenta Lana de Luna
3, 4, 10 y 11 de junio
Funciones: 11, 12 y 13 horas.

viernes, 17 de marzo de 2017

Deambulantes, homenaje teatral a Gloria Fuertes en el centenario de su nacimiento

'Los niños que leen poesía se aficionan a la belleza del lenguaje 
y seguirán leyendo poesía toda su vida...' 
Gloria Fuertes

Este año 2017 celebramos el centenario del nacimiento de Gloria Fuertes, la escritora de los cuentos enanos, los versos fritos, el hada Acaramelada o el Diccionario estrafalario. Su poesía, tan teatral, tan jugable, y tan para todos, ha inspirado el trabajo de varias compañías orientadas al público infantil, como Teatro de Malta, que ya presentó en Teatralia su espectáculo Alegría, palabra de Gloria Fuertes. Ahora puede verse en los Teatros Luchana de Madrid -coincidiendo con el ciclo Mujeres en la escena-, Deambulantes, o la verdadera historia de la poeta errante (domingos de marzo), una obra de texto con interpretación musical en vivo, plagada de rimas, acertijos, trabalenguas y juegos de palabras, ideada por La Cantera exploraciones teatrales, que supone una excelente manera de acercar a los más pequeños a la poesía. Será inevitable salir de la función hablando en pareados... (y casi también, ir a la librería o a la biblioteca más próxima a hacernos con una antología de la autora homenajeada).

Una escena de Deambulantes (La Cantera)

Una historia de búsqueda inspirada en la vida de la autora

Violeta y Berta son dos vendedoras ambulantes de objetos disparatados que -a pesar del empeño que le ponen a la causa-, no venden nunca nada. Berta crea todo tipo de inventos extravagantes, y Violeta trata de encontrar su verdadera vocación probando suerte en distintos trabajos (como contadora de huevos o aviones de papel, transcriptora de cartas...). Un día Violeta recibe de su tía Calixta un insólito regalo: una máquina de escribir gracias a la cual su imaginación se disparará y ya no podrá parar de teclear y rimar con todo lo que encuentra a su alrededor. Finalmente, deciden ir de pueblo en pueblo compartiendo sus poemas, rimas, fábulas y adivinanzas, que es lo que realmente les apasiona. Deambulantes combina la actuación, el teatro con objetos y la música en directo para contar una entrañable historia que fomenta valores como la amistad y el trabajo en equipo, a la vez que potencia el desarrollo de las capacidades e inquietudes personales.


Vídeo promocional de Deambulantes (La Cantera exploraciones teatrales)

Poesía, música y teatro enlazados

A partir de una buena idea, con un material dramático muy rico y otros buenos mimbres, se articula un trabajo esmerado que desborda amor al asunto que se trae entre manos. El espacio escénico, constituido por una especie de carromato que se convierte en todo, unas pizarras garabateadas, el íntimo rincón de la escritura y la presencia continua de las dos músicas, integradas perfectamente en el devenir de la historia, logra crear una atmósfera de alegría permanente. Los elementos poéticos unidos a la banda sonora original, compuesta de forma específica para la ocasión y con un tema principal verdaderamente carismático, generan todo un universo de sonoridades a lo largo de la función.

Funciona como un dinamizador el momento en que se pide la participación del público para acometer las 'instrucciones de uso' de una 'máquina de viajar', que requiere de la energía y los gestos cómplices de los niños asistentes para ponerse en marcha. Y resulta hermoso y festivo el final, cuando las dos deambulantes salen de escena y regalan al público octavillas con poemas de Gloria que todos nos llevamos a casa como si fueran tesoros.

Aunque la propuesta es una oda a la capacidad de imaginación con los recursos más sencillos, sería interesante buscar algún efecto visual más potente, que atrape y mantenga la atención de los niños más pequeños más allá del texto y la acción. Hay cierto exceso de convenciones teatrales, que los mayores asumen, pero no aún muchos niños que -tal vez- se acercan por primera vez al teatro. El afán por mantener un ritmo ágil conlleva en ocasiones demasiada velocidad en la sucesión de escenas y frases, que pueden dificultar la comprensión, por lo que la obra llegará mejor al público infantil más mayorcito; a los más peques les puede costar entender la trama, algunos conceptos y bastantes de los diálogos.

Cartel de Deambulantes

Otras actividades al hilo de la efeméride

La Fundación Gloria Fuertes apoya esta producción de La Cantera exploraciones teatrales y es impulsora, además, de otras actividades que pretenden dar visibilidad y poner en valor el legado de esta gran escritora, como la Retrospectiva Gloria Fuertes 1917-1998 en el Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa de Madrid. La exposición realiza una recorrido por su vida y su obra a través de fotografías, poemas, documentos y objetos personales de la conocida como "la poeta de los niños", y será el centro alrededor del cual gravitarán los actos del centenario. La muestra se podrá visitar hasta el 14 de mayo de 2017 con entrada gratuita, de martes a domingos y los días festivos de 10:00 a 21:00 h.
El Ayuntamiento tiene previsto además habilitar un espacio con el nombre de la autora en la próxima Feria del Libro de Madrid y desarrollar alguna actividad dentro de los Veranos de la Villa 2017.

Cartel de la exposición dedicada a Gloria Fuertes en el C. C. de la Villa

Por otro lado, la dramaturga, investigadora y especialista en teatro y poesía para la infancia y la juventud Itziar Pascual, participa en el ciclo de conferencias "Mujeres en las artes" que organiza la Comunidad de Madrid. El miércoles 22 de marzo, a las 19 h., ofrecerá en el salón de actos de la Real Casa de Correos (Puerta del Sol, 7) la charla Versos con faldas. Gloria Fuertes y las poetas españolas para la infancia y la juventud, hoy (2000-2015). Una oportunidad estupenda para conocer y comprender mejor la obra de Gloria Fuertes y la de otras mujeres poetas contemporáneas imprescindibles que dedican sus creaciones a los niños y niñas.
(Podéis leer la entrevista que le realizó MAMÁ TEATRIZ a Itziar Pascual hace unos meses aquí).


DEAMBULANTES o la verdadera historia de la poeta errante

Producción: La Cantera Exploraciones teatrales

Lugar: Teatros Luchana (calle de Luchana, 38, Madrid)

Funciones: Domingos 2, 9, 16, 23 y 30 de abril a las 12:00 h.
Duración: 55 minutos aprox.

Edad recomendada: de 5 a 12 años.

Dramaturgia, dirección y actuación: Marta Cuenca / Esther Ramos
Creación musical y música en vivo: Inma Claudio / Ana Cuenca Ramón
Supervisión artística e Iluminación: Jorge Sánchez

sábado, 11 de marzo de 2017

El Festival Teatralia acoge una excelente selección de espectáculos para bebés y primera infancia

Varias compañías especializadas en teatro para la primera infancia presentan este fin de semana sus trabajos dentro de Teatralia, el Festival internacional de teatro para niños más importante de la Comunidad de Madrid, que celebra durante este mes de marzo su 21ª edición convertido en un referente de calidad. El mejor teatro para público familiar de España y del mundo llega a 31 municipios madrileños, mostrando las tendencias más actuales en materia de teatro, danza, circo, música, títeres y sombras. Estos días el festival ofrece propuestas especialmente dirigidas a las edades más tempranas; una oportunidad fantástica para acercar el arte escénico a los más pequeños de la casa.

Una escena de Sin palabras (Se las llevó el aire)

Sin palabras (se las llevó el aire), en el Teatro Pradillo

Sin palabras (se las llevó el aire…) es un espectáculo luminoso, un soplo de vida. Sobre el escenario, las dos intérpretes (una actriz-cantante y otra actriz-bailarina) sonríen, se mueven, interaccionan con cariño y ternura, juegan con globos, espuma y otros objetos, bailan y cantan, y ponen de relieve la importancia de la amistad. El gran trabajo de ambas está enmarcado por una bella y sugerente escenografía que recuerda a paredes de hielo que se transforman, envueltas por un diseño de luces onírico y una música evocadora compuesta específicamente para el espectáculo.
Una pequeña maravilla de la compañía granadina La Sal Teatro, que ganó el premio al mejor espectáculo para la primera infancia en FETEN 2016, y que está nominada este año a los Premios Max como mejor espectáculo infantil.

Funciones: Sábado 11 de marzo, a las 17:00 h. y 18:30 h. en el Teatro Pradillo.
Edad recomendada: A partir de 6 meses.
Duración: 30 minutos aprox.

Una escena de Sin palabras (Se las llevó el aire)

Enchantés, en Tyl Tyl y la Cuarta Pared

La prestigiosa compañía francesa Le Fil Rouge Téâtre visita el Teatro Tyl Tyl de Navalcarnero este sábado, y el domingo estará en la Sala Cuarta Pared de Madrid con Enchantés, un poético montaje sin palabras al que dan forma movimiento, música y pintura, y en el que dos hombres se acercan y crean su propio idioma: un ritual con sonido íntimo desde el corazón, un espectáculo vibrante donde la danza y la música son uno.

Funciones:
Sábado 11 de marzo a las 17:00 h. en el Teatro Tyl Tyl (Navalcarnero)
Domingo 12 de marzo a las 17:30 h.  y a las 19.00 h. en la sala Cuarta Pared (Madrid)
Edad recomendada: A partir de 1 año.
Duración: 30 minutos aprox.


Una escena de Echantés

A Gruta da Garganta, en Alcalá de Henares y Colmenar

A Gruta da Garganta cierra la trilogía sobre la odisea del lenguaje de la compañía La Casa Incierta, tras En la punta de la lengua y La caverna sonora. Se basa en una investigación sobre la génesis del lenguaje desde los primeros balbuceos del bebé hasta sus vocalizaciones al escuchar el canto lírico. El público participa de un maravilloso viaje a través de las resonancias, ecos y disonancias del lenguaje, del juego y del canto dramático. Todo ello en un espacio lúdico en el que también se hace uso de proyecciones. Un espacio que algún niño ha descrito como “la entrada a un arcoiris”. 


Una escena de A gruta da garganta

Funciones:
Sábado 11 de marzo a las 18:00 h. en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares.
Domingo 12 de marzo a las 17:30 h. en el Auditorio Municipal de Colmenar Viejo.

Edad recomendada: A partir de 3 meses.
Duración: 35 minutos aprox.

Fragile, en Leganés y en el Centro Cultural Pilar Miró

Creado por Marina Montefusco y su compañía Le Clan des Songes, Fragile es un espectáculo de títeres poético y visual que explora el desequilibrio y la inestabilidad. En escena, un universo patas arriba que habla del placer de superar las propias limitaciones. La escenografía mantiene ocultos a los manipuladores en la oscuridad. Los titiriteros utilizan con gran destreza la técnica bunraku (un títere manejado por tres personas), que aporta a los objetos magia, movimientos rápidos y sensación de ingravidez.

Una escena de Fragile

Funciones:
Domingo 12 de marzo a las 18:00 h.  en el Teatro Gurdulú de Leganés.
Viernes 17 de marzo a las 18:00 h. en el Centro Cultural Pilar Miró de Madrid.

Edad recomendada: A partir de 3 años.

Duración: 35 minutos aprox.

Retahilando, de Eugenia Manzanera, en el Círculo de Bellas Artes

Una actriz (Eugenia Manzanera) y un músico (Iovis Fernández) enredan y tiran del hilo hasta poner en pie esta obra de pequeño formato concebida para ser disfrutada por pequeños y mayores, que ha sido galardonada en FETEN este año. Retahilando es un homenaje a los dichos, refranes y retahílas tradicionales, a través de los que van apareciendo los personajes y sus historias. Empieza la vida, un ovillo se convierte en péndulo, en tiempo. Una figura humana comienza a caminar; una nana la llama, no a dormir, sino a vivir. La vieja tejedora Sis-Sas teje el mundo, teje el tiempo.


Una escena de Retahilando
Funciones:
Domingo 12 de marzo a las 12:00 h. en la Sala de Columnas del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Sábado 18 de marzo a las 18:00 h. en el Centro Cultural (Sala Real) de Becerril de la Sierra.
Domingo 19 de marzo a las 18:00 h. en el Auditorio Municipal de San Martín de la Vega.

Edad recomendada: a partir de 4 años.
Duración: 55 minutos aprox.

viernes, 17 de febrero de 2017

La compañía Marie de Jongh trae a Madrid dos de sus montajes más aclamados: Kibubu y Amour

Marie de Jongh, la compañía vasca revelación de los últimos años en teatro infantil, viene a Madrid estos días con dos de sus espectáculos más laureados: Kibubu, que podrá disfrutarse en La Casa Encendida dentro del ciclo En Familia (18 y 19 de febrero a las 12:00), y Amour, programada dentro del Festival internacional de artes escénicas para niños y jóvenes Teatralia (varias fechas de marzo en distintas localidades de la Comunidad de Madrid).
Desde que se fundó en 2008, Marie de Jongh ha logrado crear una marca propia basada en la creatividad y calidad de sus propuestas, la apuesta por el lenguaje gestual y sonoro, y las historias emotivas que conmueven a pequeños y mayores, lo que la ha convertido en una de las compañías de referencia en el panorama teatral familiar, merecedora de premios tan prestigiosos como el que otorga FETEN (la Feria Europea de Artes Escénicas para niños y niñas, que justo está celebrando ahora su XXVI edición).

Una escena de Kibubu

Kibubu, este fin de semana en La Casa Encendida

Kibubu habla -sin palabras- de la libertad y el respeto a los animales y de cómo los humanos nos relacionamos con ellos. La obra nos presenta a Cocó y Xebas, una pareja artística de payasos con más ilusión que éxito. Para el futuro espectáculo que preparan, Xebas decide introducir un elemento sorprendente: un gorila de verdad, de carne y hueso. Está convencido de que si lo doma y le enseña los diferentes números, su suerte cambiará y ganarán el aplauso del público. Sin embargo, no sólo el gorila va a aprender de esta experiencia; Xebas y Cocó aprenderán una lección inolvidable.
Función ambientada en el mundo del circo, de estética clownesca y vintage, uno de sus principales atractivos es la incorporación del personaje del gorila, planteado de manera naturalista, lo que le valió el Premio FETEN 2014 a la mejor caracterización y al mejor actor masculino. La propuesta cuenta también con el Premio Tournesol al Mejor Espectáculo, y formó parte del Festival Teatralia en 2015.

Una escena de Kibubu

Amour, uno de los platos fuertes de Teatralia

Pero Marie de Jongh volverá pronto a tierras madrileñas, esta vez para estrenar aquí su montaje Amour, que le valió a la compañía el Premio FETEN 2016 al Mejor Espectáculo, y que es uno de los platos fuertes del Festival Teatralia este año.
Espectáculo poético y de impresionante carga visual, Amour es un ambicioso reto que pone en valor un teatro que pueden disfrutar juntos niños y mayores. Una reivindicación del teatro como lugar de encuentro para compartir emociones y reflexiones, dudas y certezas.

Una escena de Amour
Teatro de gesto apoyado en máscarasAmour nos habla sobre el amor en sus múltiples manifestaciones: el amor infantil, el de la amistad, el amor entre hombre y mujer, el amor entre mujeres, y también el de la senectud, cuando lo esencial se ha desvelado y podemos liberarnos de ciertos prejuicios. Amour nos hace reflexionar sobre la delgada línea que existe entre la desafección y el amor incondicional. Es un canto al encuentro entre diferentes. Los protagonistas de esta historia no saben que el amor siempre da otra oportunidad… 

Una escena de Amour

Marie de Jongh ya estuvo en Madrid el pasado mes de noviembre: la Sala Cuarta Pared ofreció, englobado dentro de las '31 Semanas Internacionales de Teatro para niños y niñas' de Acción Educativa, otro de sus espectáculos más representativos, Querida hija, que obtuvo también el Premio FETEN en 2012.
Ahora hay nuevas oportunidades para disfrutar del trabajo especializado de esta estupenda compañía.

FICHA ARTÍSTICA Y PRÓXIMAS FUNCIONES

KIBUBU

Dramaturgia y Dirección: Jokin Oregi
Actores: Tomás Fernández Alonso, Ana Meabe, Javier Renobales

Edad recomendada: A partir de 4 años
Funciones: sábado 18 y domingo 19 de febrero a las 12:00 h. en La Casa Encendida (Madrid).

AMOUR

Dramaturgia y Dirección: Jokin Oregi
Actores: Javier Renobales, Ana Martinez, Ana Meabe, Pablo Ibarluzea, Anduriña Zurutuza
Dirección artística, escenografía y vestuario: Elisa Sanz

Edad recomendada: A partir de 7 años
Funciones en el marco de Teatralia:

San Lorenzo de El Escorial. Real Coliseo de Carlos III
Sábado 18 de marzo - 19:30 h. (público general)

Alcalá de Henares. Teatro Salón Cervantes
Domingo 19 de marzo - 18:00 h. (público general)

Pinto. Teatro Municipal Francisco Rabal
Sábado 25 de marzo - 19:00 h. (público general)

Móstoles. Teatro del Bosque
Domingo 26 de marzo - 18:00 h. (público general)

viernes, 10 de febrero de 2017

El árbol de Julia: crítica social y activismo ecologista en los Teatros Luchana de Madrid


Los Teatros Luchana de Madrid,  dentro de su programación infantil, mantienen en cartel los fines de semana de febrero y marzo El árbol de Julia, una obra de texto, del autor que más veces ha ganado el Premio SGAE de Teatro Infantil, Luis Matilla. La obra cuenta la lucha de una niña, Julia, en defensa de Cóndor, un árbol con el que lleva jugando desde pequeña y que unos empresarios amenazan con talar. Julia vivirá una intrépida aventura para salvar a su árbol, y acabará denunciando determinadas conductas de los adultos. Inspirada en un hecho real, El árbol de Julia plantea una reflexión sobre los actuales valores humanos y la posibilidad de cambiar el mundo con los propios actos.


Cartel de la obra El árbol de Julia

A Flote Teatro ha tenido el arrojo de ser la primera compañía profesional que lleva a escena en España El árbol de Julia, obra ganadora del Premio SGAE de Teatro Infantil en el año 2000, que cuenta con más de 16 ediciones nacionales e internacionales bajo el sello editorial de Anaya y después de haber sido representada en Sudamérica en países como Brasil o Perú.

La historia de una niña okupa

Julia es una niña alegre, inconformista y activa, vinculada emocionalmente a Cóndor, un árbol centenario que va a ser derribado -junto con otros ejemplares del bosque- para construir una fábrica en el pueblo. Cuando la chica se entera, decide subirse al árbol para evitarlo, dispuesta a no bajar hasta que se dé una solución al problema. Es un plan arriesgado y provoca muchos conflictos a su alrededor, pero ella piensa que la causa merece el esfuerzo. Gracias a su estrategia, cuestionará los actos de aquellos adultos que sólo viven para obtener éxito y dinero. Julia se siente libre para tomar las decisiones que le dicta su conciencia, y aprenderá a ser consecuente con ellas, recorriendo su propio camino dentro de una sociedad disparatada que prefiere ver la Naturaleza por televisión, antes que salir a disfrutar de ella. Finalmente se irá con su abuela por todo el mundo para recoger firmas que impidan la tala de su querido Cóndor.

Una escena de El árbol de Julia

Una mirada crítica

La fuerza de la dramaturgia, con una trama sencilla pero bien armada, y unos personajes claramente definidos, sella el tono de una función interpretada con compromiso y entusiasmo por un grupo de jóvenes y enérgicos actores.
Interesante enfoque el del personaje narrador, como un maestro de ceremonias bohemio -que podría encarnar el espíritu del bosque-, y que está presente en los momentos clave; el actor, muy alerta en escena, se afana en labores como percutir unos palillos que generan ritmos bajo la acción principal, lo que da consistencia a sus apariciones.

Un acierto, aunque no esté cuajado del todo, es plantear desde la comedia algunos de los personajes secundarios, como los obreros encargados de talar el árbol, o la reportera de televisión, muy caricaturizada (su obsesión por retransmitir en directo la noticia acaba convirtiendo la situación en un delirante espectáculo que provoca más sonrojo en los adultos que en los niños).

Se agradece en la propuesta el ritmo ágil, marcado por los interludios musicales con la pegadiza canción original a guitarra eléctrica, aunque el montaje requeriría de una dirección más exhaustiva para lograr un resultado redondo.
Las escenas de la niña protagonista hablando con el árbol a modo de monólogos poético-filosóficos ponen en valor la esencia y las emociones profundas de los seres de la Naturaleza.
Obra con una clara intención pedagógica, resulta muy apropiada para trabajarla con grupos de escolares, para analizar el texto en clase, y como función de colegio.


Una escena de El árbol de Julia

Sobre Luis Matilla, el autor

Luis Matilla es escritor, autor teatral, y especialista en la didáctica de los medios de comunicación. Tiene escritas cuarenta obras teatrales que, junto con sus propuestas de animación teatral para públicos infantiles y juveniles, han sido traducidas y estrenadas en múltiples países. Desde hace más de veinte años escribe textos dirigidos al público infantil. Ha sido galardonado en numerosas ocasiones con los premios de teatro más representativos tanto en España, como en el extranjero.
Es el autor que ha ganado en más ocasiones el Premio SGAE de Teatro Infantil y Juvenil (en el año 2000 por El árbol de Julia, pero también en 2002, 2008, y 2013), un certamen del que él mismo es ahora miembro del jurado. Se trata de un autor imprescindible para entender el teatro para niños y jóvenes de las últimas décadas en España.

Portada de El árbol de Julia

EL ÁRBOL DE JULIA
Compañía A Flote Teatro

Teatros Luchana (calle de Luchana, 38, Madrid)

Funciones:
Sábados 11 y 18 de febrero: 17:15 h.
Domingo 19 de febrero: 12:15 h.
Sábados 4 y 11 de marzo: 17:15 h.
Domingos 5 y 12 de marzo: 12:15 h.
Domingos 19 y 26 de marzo: 16:45 h.

Dramaturgia: Luis Matilla
Dirección: Fernando Solís
Reparto: Lucía Diez, Jaione Azkona, Margarita Lascoiti, María Simón, Íñigo de Lascoiti, Fernando Solís
Iluminación: Pablo R. Seoane
Escenografía: Gabriel Carrascal
Música: Íñigo García & Íñigo Porres

Duración: 55 minutos
Edad recomendada: A partir de 6 años

jueves, 2 de febrero de 2017

Paco Gámez: "Nana en el tejado aborda la necesidad de individualidad de los niños"

La verdad es perfecta para las matemáticas, la química, la filosofía, pero no para la vida
En la vida, la ilusión, la imaginación, el deseo, la esperanza, cuentan más.

Ernesto Sábato

Con esta fantasiosa cita de Ernesto Sábato preludia Paco Gámez su obra Nana en el tejado, pimpante ganadora del XVII Premio SGAE de Teatro Infantil, que cuenta la aventura de una niña que se refugia en el tejado de su casa al haber quedado su pueblo inundado. Un cuento escénico que reivindica el poder de la imaginación de los niños para afrontar los problemas, y que está llamada a convertirse en una obra revelación.

Paco, actor, director, y autor jiennense, es un tipo amigable y cercano; ríe mucho, sobre todo con los ojos, que aún desprenden el candor inquieto del niño que fue. Inspira una sencilla simpatía, de modo que cualquiera podría creer que le va a atender, a escuchar, e incluso a ayudar. Es difícil precisar si esa facilidad para transmitir confianza proviene de su entrenamiento actoral o de su propia personalidad.

Ambos somos de Jaén, nos conocemos desde hace años, tenemos un sinfín de contactos en común, hemos coincidido en saraos culturales diversos, y sin embargo, es la primera vez que quedamos a solas, y también la primera que compartimos la ilusión por hablar sobre teatro infantil. Su reciente Premio SGAE nos da la oportunidad, el pretexto, el desayuno de una de las últimas mañanas que le quedaban al 2016, en la cafetería más céntrica y popular de nuestra pequeña ciudad.

Paco Gámez, ganador del Premio SGAE de Teatro Infantil 2016 (fotografía de Mercedes Hausmann)

Lo primero que me gustaría que nos contaras, si te apetece compartirlo, es cómo fue el momento en que te notificaron que habías ganado el Premio, ¿dónde estabas, cómo lo viviste...?

Pues me pilló totalmente de sorpresa. Tenía un día malísimo, me levanté esa mañana con un dolor fuerte en el hombro, y me fui a trabajar, tuve una primera clase súper agotadora, y después tenía que dar otra clase a un alumno inglés. De pronto vi un número que me llamaba; creí que era el inglés que me iba a decir que íbamos a otro sitio a dar la clase, y era de la SGAE infantil, y pensé, ¡ay, qué alegría...! Y me cambió ya la energía del día. Y en vez de dar la clase me fui con el inglés a celebrarlo. Le dije que me acababan de dar un premio muy importante, y le invité a él el primero, ¡se tomó cinco vodkas por la mañana...!

¡Jajajaaa...!, esa anécdota da para escribir otra obra de teatro...

Sí, sí sí... Él no era consciente, sólo sabía que estábamos celebrando algo... Yo me tomé un vermut, y luego me pasé a cocacolas; en la plaza de Olavide estuvimos.

Sobre el proceso creativo de la obra, has comentado en otras entrevistas que te generaba cierta inseguridad, ¿por qué?

Sí, yo mandé la obra al Premio, pero tenía muchas dudas sobre el texto, de si podía funcionar o no, de si iba en la línea del teatro infantil actual... El caso es que yo he actuado, he leído y he visto mucho teatro para niños, pero este es el primer texto que he escrito para niños. Jugaba con la ventaja de la libertad, de no tener ninguna pretensión, ningún compromiso directo de estreno, ni de un número de actores...; jugaba a hacer lo que me diese la gana, a proponer una puesta en escena que no sabía si era posible o no..., podía imaginar lo que quisiese.
Los niños pequeños tienen una necesidad de vínculo muy aferrado, pero en Nana, la protagonista de la obra, transpira la necesidad de cierta individualidad. Por eso yo tenía la duda de si este discurso que hay por debajo de la fábula es propicio para niños o no.

Pintura de Esther Gámez Blánquez

¿Consideras que has podido recibir cierta influencia de Tomás Afán Muñoz...? [dramaturgo jiennense reconocido por multitud de premios, entre ellos el ASSITEJ de teatro para niños y jóvenes en varias ocasiones. Son cuñados]

Los primeros textos de teatro infantil que yo leí eran de Tomás, él ha hecho muchísimo teatro infantil,  y yo desde pequeño he trabajado con La Paca [compañía de teatro infantil de referencia en Jaén, dirigida por su hermana Mª Carmen Gámez, y por Tomás Afán], por tanto tengo mucha influencia de él, aunque después somos muy distintos en formas, yo voy por otro lado, porque tengo otra referencias y otros gustos; pero Tomás tiene un punto muy ingenuo en su escritura, y también un punto de ciencia ficción, y en eso sí creo que tengo una influencia muy directa.

¿Cómo ha sido el tránsito del Paco Gámez actor al dramaturgo?

Yo no veo muy claros los límites del teatro; un actor que entiende y trabaja los textos tiene la capacidad de crear un texto propio, otra cosa es que sienta o no el impulso creativo. Desde que estudiaba en la ESAD de Sevilla me apetecía autodirigirme, hacerme la dramaturgia si estaba trabajando sobre algo..., me parecía tan natural como poner focos. Me considero un artesano del teatro que no contempla las fronteras entre el papel, las tablas, la butaca. 

Vaya, lo que es ser 'un hombre de teatro', así, integral...

Eso es lo que a mí me interesa. En tercero o cuarto empecé a escribir textos, a raíz del hábito de leer; partí un poco de jugar a imaginar lo que a mí me gustaba en el teatro, y generarlo yo. Escribí El hombre en llamas, que ganó un premio en la Universidad de Sevilla. Luego estuve un tiempo sin escribir. Después el proyecto de Calderón cadáver [Un 'cadáver exquisito' a partir de La vida es sueño, en el que ocho dramaturgos galardonados con el Premio Calderón de la Barca, intentaban establecer un diálogo entre los siglos XVII y XXI para el Festival AlmagrOff 2015] me dio un nuevo impulso; al estar en un proceso de trabajo, en contacto con dramaturgos, me fue entrando el gusanillo, y empecé a preguntarme cómo sería mi voz escribiendo.
Cuando me lanzo a escribir pienso mucho en el escenario, en qué me gustaría que pasase como actor y como espectador. Entender el trabajo de actor ayuda mucho a escribir (y viceversa). Cuando escribo veo muy claramente los distintos niveles, de modo que se me han encajado muy bien las dos cosas.

Claro, el tener tan patentes las dos facetas hace que el trabajo se enriquezca mutuamente... 
Y ahora que estás más centrado en la escritura, ¿no añoras actuar?

Estoy muy feliz con lo de escribir, porque de repente estoy yo solito aquí, sin tener que lidiar con un grupo de gente, cuadrar horarios... Es más sencillo compaginar la dramaturgia con otro trabajo, porque estoy muy limitado de tiempo. Y el estar teniendo ciertos reconocimientos me anima mucho a seguir escribiendo. A partir de ahí volveré al escenario desde otra puerta. Al final he tenido mucha suerte, porque esto de los premios depende siempre de múltiples factores: con quién compites, la composición concreta del jurado, que se entienda tu sensibilidad...

Pintura de Esther Gámez Blánquez

Nana en el tejado luce una voz muy limpia, fresca, muy teatral, muy visual. Tiene un personaje principal muy potente, y la acción se imagina como en dibujos animados. ¿Cómo surgió la motivación para esta historia?, ¿por qué decides un día escribir una obra de teatro para niños?

El concepto primero de Nana es anterior, de hace tres años o así..., no recuerdo exactamente cuál fue el motor. Pero el germen lo esbocé en un par de días. La Paca estaba en una asociación de teatro infantil que se llama Te Veo. Había una reunión de asociados de Te Veo en Canarias y me pidieron que fuera yo. Fue un encuentro de muchas compañías de teatro infantil de toda España, hablando, debatiendo sobre lo que se podía contar a un niño..., y creo que fue ahí cuando empecé a maquinar lo que podía escribir.
También hablé con una amiga mía asturiana cuya familia está vinculada con la organización de FETEN, y ella me dijo que le parecía buena idea, que Nana estaba en la onda del teatro de calidad que se estaba haciendo ahora para niños, y me animó mucho a escribir la obra. Después con el tiempo le he ido dando capas. Lo dejé un tiempo en el cajón, luego lo retomé...
Por otro lado, no sé cómo llegué yo al caso aquel de la niña atrapada por el agua que salió hace años... [se refiere a la avalancha de Armero, en Colombia, tras la que una pequeña de trece años de edad, Omayra, se convirtió en el icono de la tragedia en 1985]. Pero no tengo una documentación de casos de catástrofes, mi texto es algo mucho más espontáneo y más ingenuo, a partir de la idea de una persona en situación límite, y el elemento del agua (en otras obras ya había trabajado sobre el fuego, o la tierra...).

¿Cómo has querido abordar el tema de la muerte dentro de la obra? Yo lo veo con cierta inocencia, para nada me ha parecido algo macabro ni oscuro...

Es un tema que me ha salido en el texto de manera más inconsciente que consciente. Nana habla con sus padres, que están debajo del agua; se trata de un plano mágico. Entienden que están muertos o que hay algo dramático los personajes adultos, pero realmente, para mí no están muertos, están en otro plano. Sí, la muerte está ahí presente de alguna manera, supongo que de pequeño a mí me inquietaba ese tema. Un niño con 7 u 8 años ya pregunta por ello, se preocupa por la muerte de una persona cercana, la posibilidad de desaparecer...

Ajá... ¿Qué otros temas te inspiraron entonces?

Cuando yo escribía el texto, lo que quería era hablar sobre la independencia, sobre la capacidad de superación, sobre la necesidad de tener apoyos, pero no estar atado a esos apoyos, supongo que por mi momento vital de entonces. Como autor quería contar la necesidad de desligarse de vínculos emocionales fuertes, que siguen estando ahí, pero la niña está sola: sus padres están ahí, la están apoyando, el chico pelirrojo que aparece en el árbol es su amigo y está un tiempo con ella, hay un amago de amor, pero se va antes que ella, la tortuga está de paso, y la señora mayor dice 'yo me voy a quedar aquí porque ésta es mi casa', y la niña se va. Realmente no estamos hablando aquí de la muerte ni de la tragedia, sino de la capacidad individual de afrontar la vida, o los problemas, porque al final, de alguna manera, estamos solos todos, aunque estemos rodeados de mucha gente. Nana se va haciendo fuerte, nunca tira la toalla, se busca la vida, confía en que no va a pasar nada. Tiene un punto trascendental, pero la idea de la catástrofe real o la muerte no es tan claramente donde está colocada la historia.

Pintura de Esther Gámez Blánquez

Desde mi punto de vista la obra tiene una perspectiva muy pictórica y muy plástica. A través de las acotaciones hablas de la luz de los tejados, cómo se ven los reflejos en el agua... Te imaginas un cuadro de colores muy particulares...

Yo tengo una hermana que es pintora. Y siempre desde pequeño he visto a mi hermana pintar. Empezamos a pintar juntos en la Universidad Popular de Jaén, pero yo era un desastre absoluto, y ella siguió en la Escuela de Artes y Oficios. Y sí, la obra guarda relación con una serie de cuadros que ella tiene de tsunamis barrocos contemporáneos, donde mezcla lo natural con lo urbano; la idea de la naturaleza invadiendo el espacio cotidiano. De alguna manera hay una unión, una relación directa entre ambas expresiones, o tal vez hay algo educacional, o nos hemos influido mutuamente...

Y ya para acabar, ¿alguna función de teatro infantil que te haya marcado especialmente?

Me vienen a la cabeza muchos flashes de imágenes de montajes que vi de niño, aunque no fueran infantiles, sino teatro para adultos, y trataran temas fuertes. Por ejemplo, Rosa Díaz, antes de crear La Rous vino a Jaén con un montaje de Laví e Bel, Paradiso, en el que ella hacía de un niño que estaba muerto, y se convertía en ángel, y estaba en una estación de tren antigua, como en una Europa decadente, era muy bonito, y recuerdo que supuso una apertura mental, fue un hito para mí, de decir, ¡hala!, qué cosas se pueden hacer... También la compañía Espejo Negro, con un cabaret muy muy salvaje, muy grotesco..., y eso lo vi con trece años. He visto muchísimo teatro de niño.

BIO

Paco Gámez (Úbeda, Jaén, 1982) es Licenciado en Filología Inglesa por la Universidad de Jaén y en Interpretación Textual por la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla. Amplía su formación actoral con maestros como José Carlos Plaza, Fernando Sansegundo, Juan Carlos Sánchez, Will Keen, Ernesto Arias, Sergi Belbel, Vicente Fuentes, Andrés Lima, Carlos Be o María Velasco.
Recibe el VI Premio Jesús Domínguez por su texto Autos (A road play), publicado en la revista Primer Acto. Recientemente ha publicado Chapman (∞ x 0) dentro del programa de Creación de Nuevas Dramaturgias del INAEM. El Hombre en Llamas fue Premio Letras Hispánicas de la Universidad de Sevilla, y posteriormente publicado y estrenado bajo la dirección Alfonso Zurro. Publica también el poemario La Rompedura tras ganar el Premio de Escritores Nóveles de la Diputación de Jaén.
Su texto Nana en el Tejado ha sido recientemente galardonado con el XVII Premio SGAE de Teatro Infantil, y será publicado este año en la serie de Teatro Infantil y Juvenil Sopa de Libros, que el grupo editorial Anaya coedita con la Fundación SGAE.

sábado, 28 de enero de 2017

Crónicas escénicas post-navideñas: Vuelos y La casa flotante

Bienvenida a un nuevo año muy teatral

Queridos amigos, de vuelta tardía tras un mes complejo -Navidades y viajes de por medio-, en el que Mamá Teatriz parecía calladita, pero en realidad no ha parado de alimentar motores (obras, lecturas, eventos, encuentros...), aprovecho estos últimos días de enero para felicitaros el 2017 -nunca es tarde para desear felicidad, ¿verdad?-, con la ilusión de que sea un año muy teatral, plagado de alegrías para nuestros niños y familias, y rico en creaciones y oportunidades escénicas.

¡Continuamos nuestra búsqueda del mejor teatro infantil...! Quisiera compartir unas pinceladas sobre algunos de los espectáculos familiares a los que hemos asistido en este tiempo: nos asomamos al género del cuento teatralizado, llenándonos de valor y risa con Juan sin miedo en La Caja del Terror, y viajando al mundo simbólico de las emociones a través de los colores y la música con La Reina de los Colores, en la sala Plot Point; elevamos el espíritu gracias a la belleza plástica y la poesía que propone Aracaladanza en su espectáculo Vuelos, y navegamos en el arca de Noé con su fabulosa tropa de animales-títere en La casa flotante, de La Maquiné. Estos dos últimos trabajos, especialmente, han sido amables descubrimientos, de los de no perderse cuando pasen por vuestras ciudades.

Público familiar en el Teatro Isabel la Católica de Granada

Los Vuelos de Aracaladanza brillaron en el Teatro de la Abadía

La prestigiosa compañía madrileña Aracaladanza aterrizó las pasadas Navidades en el Teatro de la Abadía de Madrid con Vuelos, un espectáculo de danza contemporánea enfocado a público familiar. Después de inspirarse para montajes anteriores en artistas como Miró, Magritte o El Bosco, Aracaladanza se adentra en la imaginación del genio visionario de Leonardo de Vinci, revelando interesantes relaciones entre la ciencia y el arte, y alentando el disfrute de los sentidos.

Las máquinas de Leonardo, sus diseños, sus planos, así como su pintura y escultura, son el punto de inspiración para un trabajo escénico artesanal en el que Aracaladanza, Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud, y con varios Max a sus espaldas, explora el sueño universal del hombre: poder volar. Como subraya Enrique Cabrera, director del espectáculo, "Las alas, volar..., es una constante en la vida de Leonardo da Vinci. Él estudiaba los pájaros, dibujaba los músculos, las articulaciones..."

Imagen del espectáculo Vuelos, de la compañía Aracaladanza

Autómatas, poliedros gigantes, juegos de espejos, luz y penumbras, sugerentes videoproyecciones..., son protagonistas de este fantástico espectáculo, más conceptual que narrativo, donde destaca la indagación técnica en el trabajo gestual, una cuidada y fascinante utilería, y en el que los jóvenes espectadores quedarán asombrados de las capacidades de movimiento del cuerpo humano: los bailarines emulan las líneas rectas, curvas, balanceos, saltos, oscilaciones, desequilibrios, armonías..., presentes en la Naturaleza, y en el doble péndulo imprevisible que demuestra la teoría del caos y que aparece como objeto referencial en algunas de las escenas.

Edad recomendada: A partir de 5 años.

Vídeo promocional de Vuelos, de la compañía Aracaladanza

La casa flotante de La Maquiné desembarcó en el Teatro Isabel la Católica de Granada

La compañía granadina La Maquiné ha estado llenando todos los días el Teatro Isabel la Católica en su tierra, del 25 de diciembre al 4 de enero, con La casa flotante, una función creada por Joaquín Casanova y Elisa Ramos, original adaptación contemporánea del mito del Arca de Noé, con música de Xavier Montsalvatge y Claude Debussy, e interpretada al piano en directo por José López-Montes.

La obra cuenta la historia de Noé, una niña que nunca ha visto llover y su mayor deseo es poder ver el arco iris. Un día Noé salva a un pez de quedar atrapado en un anzuelo, y éste en agradecimiento le avisa de la llegada de un gran diluvio que lo inundará todo. Noé hace de su casa un barco y llama a todos los animales para resguardarlos, pero en el recuento faltan algunos: la pulga, el elefante, el canguro… Noé decide ir a buscarlos uno a uno, y vivirá una gran aventura.

Imagen de La casa flotante, de La Maquiné

El espectáculo, muy pictórico, contado mediante narración, títeres, teatro gestual y proyecciones, derrocha fantasía visual. Más infantil que familiar, con puntos cómicos de lo más inocentes, está muy logrado a nivel técnico y de iluminación, con marionetas y objetos de gran tamaño, de diseño muy personal. Tiene más valor la parte escenográfica y de montaje que el guión y las interpretaciones. Salvo la niña protagonista y los distintos animalitos, no se identifica bien al resto de personajes; aparecen una narradora y otras figuras que unas veces son utileros o manipuladores, y otras veces participan en la acción, por lo que su función dramática resulta algo difusa, aunque estos detalles no son relevantes para el público más infantil.
Tras su paso por Granada, el espectáculo se encuentra actualmente en gira, recorriendo los mejores teatros de España.

Edad recomendada: De 3 a 11 años.

Imagen de La casa flotante, de La Maquiné

PRÓXIMAS FUNCIONES

La Reina de los Colores
Domingos 29 de enero y 26 de febrero a las 11:30 y a las 12:45 h. Sala Plot Point (Madrid)

Juan sin miedo
Domingos 5 y 19; sábados 11 y 25 de Febrero a las 17:00 h. en La Caja del Terror (Madrid)

Vuelos
18, 19, 25 y 26 de febrero en el Mercat de les Flors (Barcelona)
Sábados a las 18h., domingo a las 12h. (Sala MAC)

La casa flotante
5 marzo en el Teatre principal d'Olot (Girona)
12 marzo en el Teatro Liceo (Salamanca)